Música clásica, ¿ por qué no? v2v5o

Liszt calificó a nuestro invitado de hoy como el más poeta de todos los músicos. Unas breves palabras que encierran la importancia de la aportación que Franz Schubert hizo al tesoro musical de la Humanidad. Sí, hoy vamos a escuchar a Franz Schubert, un gran músico que, paradójicamente, llevó una vida sencilla y modesta y que murió en la más absoluta miseria. Toda su vida estuvo inmerso su profundo mundo interior, lleno de ideas musicales que, sin tener la claridad de Mozart ni alcanzar la altura estructural de Beethoven, le coloca por derecho propio entre las primeras figuras de los compositores de todos los tiempos. Hoy escucharemos, junto a otras obras que iremos desgranando, su famosa “Sinfonía nº 5 en si bemol mayor”, quizá la más conocida de las nueve que compuso.

Hoy vamos a escuchar nuestra primera opera de la temporada, pero no una opera cualquiera, vamos a escuchar y, casi casi a ver, Tosca, una opera en tres actos con música de Giacomo Puccini. Se estrenó en Roma el 14 de enero de 1900, en el teatro Costanzi. El texto está basado en un intenso drama, La Tosca, de Cictorien Sardou. Tosca está considerada como una de las óperas más representativas del repertorio verista italiano. Musicalmente, la obra se mantiene en el estilo desarrollado por Puccini hasta ese momento: continuidad del discurso musical, roto apenas por una dos arias, con escenas impactantes como el Te Deum o E Lucevan le stelle.

Si hablamos del violín, y hoy vamos a hacerlo, deberemos considerar que ha habido, en el pasado siglo XX y en este XXI muchos grandes violinistas, ciertamente extraordinarios, pero ninguno de ellos alcanzó tanta fama y prestigio en el ámbito estrictamente musical como lo hizo Yehudi Menuhin. Menuhin fue mucho más que un gran violinista o un inspirado director de orquesta en sus últimos años, fue también un hombre comprometido, generoso, reflexivo, valiente, curioso, audaz y siempre adornado, en los escenarios y fuera de ellos, de un carisma irresistible.

Hoy vamos a escuchar guitarra clásica o española, como también se le denomina. Este instrumento tan popular tiene un origen antiquísimo, unos 1.000 años atrás. De la familia de los cordófonos, o sea, instrumentos que suenan pulsando cuerdas sobre una caja de resonancia, este instrumento se ha venido desarrollando durante todos estos años, pasando por innumerables versiones, por ejemplo el laúd y más tarde la vihuela hasta llegar a su composición actual. Fue Antonio de Torres, un luthier almeriense el que dio a la guitarra esta estructura que hoy todos conocemos. En este programa daremos un repaso por varios compositores que nos han dejado bellísimas obras para guitarra que estarán interpretadas por MARKO TOPCHII, guitarrista clásico ucraniano, ganador de más de 100 concursos internacionales y hoy reconocido mundialmente como uno de los mejores intérpretes de su instrumento.

De todos es conocido que Lang Lang es hoy uno de los mejores pianistas de su generación. Este virtuoso músico chino nació el 14 de junio de 1982, y fue el primer pianista chino en ser contratado por la Filarmónica de Berlin, la Filarmónica de Viena y algunas de las principales y más importantes orquestas estadounidenses. En el Chicago Tribune lo citaron como “el talento del teclado más grande y emocionante que hemos encontrado en muchos años de asistir a recitales de piano”. Bien, pues con semejante personaje vamos a compartir esta hora de radio.

Leonard Bernstein, el célebre músico mundialmente reconocido, nos dejó escrito: “No me interesa que una orquesta suene como ella. Quiero que suene como el compositor …”. Esa fidelidad del maestro Bernstein a la partitura, a la intención del autor, y como no, su genialidad, fueron fundamentales en el resurgimiento y popularización de la música de Gustav Mahler en las salas de conciertos del mundo entero en los años 1960 – 1970 y más allá. Bernstein grabó su “Ciclo Mahler”, las nueve sinfonías, entre los años 1960 y 1967, siempre acompañado de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, excepto la octava que lo hizo con la Orquesta Filarmónica de Londres. Y hoy, vamos a tener la satisfacción de reunir a estos dos genios de la música en nuestra particular sala de conciertos. Interpretarán para la nosotros la quinta sinfonía.

Que tal amigos?, hoy empezamos una nueva temporada de Música clásica, ¿por qué no? con energías renovadas, después de un raro y cálido verano y con la esperanza, bien fundamentada, de que la música, siempre la música, nos hará más llevadera nuestra existencia en este complicado mundo. Un mundo sobrado de sátrapas megalómanos y falto de políticos con sentido común. Es evidente que la música no amansa a las fieras. Buena, buenísima música hay en Rusia a raudales y, visto lo visto, o la clase dirigente rusa está sorda o es que no quieren oír. En las antípodas de todos ellos se encuentra Pau Casals, nuestro invitado de hoy, que además de destacar como un extraordinario intérprete, también fue reconocido por su activismo en la defensa de la paz, la democracia, la libertad y los derechos humanos, siempre se manifestó públicamente contra el régimen franquista y esta actitud vital fue la que le hizo acreedor de la prestigiosa medalla de la Paz de la ONU y ser nominado al Premio Nobel de la Paz. Un gran hombre y un gran intérprete.

Hoy es el último día de programa de esta temporada. Vamos a despedirnos con una “una oferta que no vais a poder rechazar”. Una oferta que, además, va a dejar las puertas abiertas para otras muchas en la próxima temporada. Me estoy refiriendo a tres grandes interpretes de piano, todos ellos aragoneses, y mundialmente reconocidos. Hablamos de Eduardo del Pueyo, Luis Galve y Pilar Bayona. Tres grandes de la música, profetas en su tierra y en el mundo. Empezaremos hoy con Eduardo del Pueyo, interprete del que reciente y afortunadamente, se han reeditado todas sus grabaciones con el sello Phillips en los años 50, Bach, Beethoven, Franck, Granados y Falla. No podemos pedir más. Este pianista genial nació el 29 de agosto de 1905 en Zaragoza, hijo de un fabricante de muebles. Sus primeros estudios musicales los hizo en Zaragoza pero pronto se trasladó a Madrid para ampliarlos.

“Aquí finaliza la ópera, porque en este punto murió el maestro”. Estas fueron las palabras que pronunció Arturo Toscanini cuando finalizó la primera representación, dirigida por él, de Turandot. Puccini, su autor, había muerto diecisiete meses antes. Muy buenas tardes amigos. Volvemos a repasar unas de las páginas más bellas de la ópera. Puccini, el maestro, había empezado a escribir la partitura cuando la enfermedad ya estaba haciendo estragos. Un cáncer de garganta impidió que pudiera terminar la obra. Fue Franco Alfano el que acabó la escena final. Turandot es una ópera en tres actos con libreto de Giuseppe Adami y Renato Simoni, basado en la obra teatral de Carlo Gozzi del mismo título.

Hola amigos, volvemos a encontrarnos, una vez más, en esta transitada senda de la música, una senda que nos llevara, de manera inequívoca, a la victoria en esa guerra privada que todos tenemos pendiente con la infelicidad. Y, como alguien dijo que la vida sin música, sería un error, hoy vamos a ponerle remedio con la ayuda inestimable de Brahms. Vamos a escuchar su Sinfonía núm 3 en fa mayor, opus 90, obra que el autor compuso en el verano de 1883, casi seis años después de haber terminado la Segunda Sinfonía.

Hoy vamos a recordar a un destacado interprete de la viola de gamba, un instrumento muy utilizado entre los siglos XV y XVIII, que tiene una forma similar a la del violonchelo y que adquiere este nombre, viola de pierna, para diferenciarlo de la otra viola de braccio, de brazo. Nuestro invitado de hoy, Marin Marais, fue también un consumado compositor para este instrumento. Escribió cinco libros de pieces de viole, la mayoría suits con bajo continuo. Estas piezas eran bastante populares en la corte de Luis XIV, y por ellas fue recordado durante mucho tiempo.

En 2020 se publicó en España, en Alianza Editorial, un libro de O. G. Sonneck titulado “Beethoven contado a través de sus contemporáneos”. Por sus páginas desfilan ilustres figuras de la cultura de los siglos XVIII y XIX (Mozart, Goethe, Rossini, Listz…) que con el testimonio de sus diarios, cartas y memorias, nos ofrecen una semblanza del genio, con sus luces y sus sombres, pero con la innegable garantía de proceder de sus contemporáneos, de personas que lo conocieron personalmente por que, como dice Grillparzer en su oración fúnebre: “Beethoven era un artista, pero también era un hombre”. Así que, basándonos en este libro, que por supuesto os recomiendo para poder disfrutarlo en su totalidad, vamos a repasar unas cuantos testimonios que nos ayudaran a conocer y a comprender al sordo genial. Y por supuesto, escucharemos su música. Trío nº 3 en C menor, op. ⅓, primer movimiento: allegro con brío.

Hoy, nuevamente, nos vamos a la ópera. Nabucco es una tragedia lírica en cuatro actos que el maestro Giuseppe Verdi estrenó el 9 de marzo de 1842 en el Teatro de la Scala de Milán. Cuando Verdi recibió el encargo de esta composición, su estado de ánimo era, por decirlo de alguna manera, lamentable. Su último trabajo, Un giorno di regno, había sido un fracaso. Pero lo más trágico había sido la muerte de sus dos hijos y su esposa en un breve espacio de tiempo. Tal era el estado de ánimo de Verdi que estaba decidido a dejar la ópera. Tras la insistencia del empresario de la Scala, Bartolomeo Merelli, definitivamente aceptó el encargo.

Hoy dedicaremos nuestro espacio a recordar a Gustav Mahler, el hijo de un comerciante judío que nació en Kalischt, Bohemia. Esta condición de judío nunca le facilitó las cosas. Él mismo resumía su estado como “un apátrida que era bohemio en Austria, austriaco entre los alemanes y judío en el mundo: un intruso en todas partes y en ninguna bienvenido”. No obstante, todas estas circunstancias no impidieron que Mahler consiguiera conformar su inconfundible e inimitable estilo musical, un estilo en el que se funden una radical modernidad y una triste nostalgia, tristeza y dinamismo, la canción popular y lo hipermoderno. Esto es Mahler.

Hoy volvemos, y os pido perdón por la insistencia, con Chopin, una debilidad mía, una más. Pero creo que merece la pena, el Concierto para piano y orquesta número 1 en Mi menor, Op. 11, es una escusa perfecta para disfrutar de la música de piano, una música que en muy pocas ocasiones alcanza el nivel del genio de Chopin. Cuando trabajaba en la composición de este concierto ya era un músico con un gran prestigio y una fama consolidada, pero al mismo tiempo, en su querida Varsovia se producían continuas revueltas y levantamientos, reprimidas con dureza por las autoridades rusas y en las que se produjeron numerosas muertes. Esta circunstancia ocasionaba a Chopin un gran desasosiego.

Hoy nos ocuparemos de la música del compositor noruego más importe del romanticismo, un músico que consiguió, igual que “los famosos cinco” en Rusia o Smetana y Dvorak en Bohemia, combinar la música folclórica de su país con las formas de la tradición clásica, dando lugar así a una música culta nacionalista. Edvard Grieg, que así se llama nuestro invitado, nació en Bergen el 15 de junio de 1843. Estudió piano con su madre, pianista profesional y, más tarde, en el conservatorio de Leipzig.

Releyendo el otro día el libro de Pedro González Mira, “Esto no estaba en mi libro de HISTORIA DE LA MÚSICA”, que por supuesto os recomiendo, volví a encontrarme con una estupenda definición de lo que es la música. “La música es un misterio”. ¿Por qué gusta a los ignorantes y a los eruditos?, esto se lo preguntaba Voltaire; ¿es pura matemática?, se pregunta el propio González Mira; ¿por qué afecta a mi sistema nervioso?, se preguntaba Lenin. Pues por eso, porque es un misterio. Se que es obviedad decirlo pero no seré yo el que lo resuelva. Así que, lo mejor que podemos hacer con la música es disfrutarla. Hoy lo haremos con dos obras de Mendelssohn, El sueño de una noche de verano y la sinfonía núm 4 en La mayor, Op. 90, “Italiana”.

Como diría nuestro irado maestro Fernando Argenta, hoy dedicaremos nuestros espacio al “cura pelirrojillo”, esto es, Antonio Vivaldi, uno de los más grandes compositores barrocos que influyó en la evolución de la música en toda Europa y que fue fundamental en el desarrollo de la obra de Johann Sebastian Bach. Su producción fue enorme pero sobre todo, innovadora. Fue él quien dio la estructura formal y rítmica a los conciertos, con composiciones llamativas y llenas de vitalidad. Hoy vamos a centrarnos en algunos de estos conciertos.

Gustav Mahler afirmó: “Solo hubo Beethoven y Wagner, después de ellos… nada”. Bueno, pues hoy vamos a dedicar nuestro espacio a uno de estos dos genios: Richard Wagner. Nuestro ilustre invitado de hoy nació en Leipzig, Alemania, el 22 de mayo de 1813, y se ha consagrado para siempre como un artista total: compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical del Romanticismo, destacando sobremanera sus operas, o “dramas musicales” como a él le gustaba llamar, en las que, a diferencia de otros compositores, asumía también el libreto y la escenografía. Hoy repasaremos algunas de sus obras más significativas y esbozaremos su biografía.

Muy buenas tardes queridos melómanos, hoy dedicaremos nuestro espacio a escuchar la obra por la que su autor, Carl Orff, es mundialmente conocido. Hablamos, por supuesto de “Carmina Burana”, una cantata que el músico alemán compuso entre lo años 1935 y 1936. La obra está basada en 24 poemas de la colección medieval “Carmina Burana” y se estrenó en la Ópera de Frankfurt el 8 de junio de 1937. Forma parte del tríptico “Trionfi”, e incluye “Catuli Carmina” y “Trionfo di Afrodita”. Esta cantata comienza y termina con el famosísimo tema O Fortuna, así que vamos con la música, “O Fortuna”.