UNA GUITARRA MIL MUNDOS 15m3v

En esta emisión Mar Barroco, interpretado por Leopoldo Novoa y Rafael Bonavita, es una propuesta musical que fusiona sonoridades del barroco europeo con tradiciones latinoamericanas. Estos artistas, a través de una exploración de instrumentos migrantes como la marimbula y la tiorba, demuestran cómo elementos musicales de orígenes diversos pueden dialogar y entrelazarse. Con un enfoque experimental y gozoso, logran entrelazar timbres que en apariencia serían incompatibles, como los de la marimba africana y la guitarra barroca, revelando una profunda conexión entre las raíces musicales de Europa y América Latina. La obra también pone en evidencia el intercambio cultural entre continentes desde el siglo XVI, no solo en lo musical, sino también en aspectos gastronómicos, lingüísticos y simbólicos. La música, como otras expresiones culturales, viajó y se transformó: instrumentos como la guitarra barroca generaron descendencias diversas en América, y ritmos africanos como el fandango o la chacona hicieron el recorrido de ida y vuelta entre los continentes. Este mestizaje sonoro no solo es testimonio de la historia compartida, sino una celebración de la creatividad que surge del encuentro entre culturas.

En esta emisión se presentó al Cuarteto Canadiense de Guitarras, conformado por Julien Bicelon, Renaud Côte Giguère, Bruno Roussel y Luis Trépanier. El grupo interpretó una versión adaptada del Concierto para dos violonchelos en sol menor de Antonio Vivaldi, originalmente escrito para dos violonchelos y orquesta. Esta transcripción fue realizada por Bruno Roussel, quien redistribuyó las partes de los violonchelos y la orquesta entre las cuatro guitarras, logrando un equilibrio sonoro interesante. También se escucharon interpretaciones del segundo y tercer movimiento de la obra en su versión original y en la versión para guitarra. Más adelante, se presentaron composiciones originales de del cuarteto, como "Hilo de cobre", inspirada en una escultura de Jean-Louis Émon que explora la dualidad entre fragilidad interna y apariencia externa. Además, se interpretó una pieza de Christine Donkin basada en un mapa medieval, cuyas secciones reflejan mitos antiguos como los trogloditas, la torre de Babel, los hiperbóreos y los hipópodos. Estas obras contemporáneas muestran una tendencia creciente en los músicos actuales a componer e interpretar sus propias piezas, integrando así las facetas de intérprete y creador, lo cual enriquece el repertorio y amplía las posibilidades expresivas del instrumento.

En esta emisión se destacó al Cuarteto Canadiense de Guitarras, compuesto por Julien Bicelon, Renaud Cote Chiguer, Bruno Roussel y Luis Trepanier. La emisión exploró la versatilidad de la agrupación a través de sus interpretaciones de obras clásicas y contemporáneas. Se presentó la transcripción de Bruno Roussel del Concierto para dos violonchelos en Sol menor de Antonio Vivaldi, la única obra original del compositor para esta combinación de instrumentos, adaptada ingeniosamente para cuatro guitarras. En esta adaptación, dos guitarras asumen los roles de los violonchelos, mientras que las otras dos replican la orquesta, logrando un equilibrio sonoro notable y se ofreció la oportunidad de comparar la versión original con violonchelos, orquesta y la innovadora interpretación del cuarteto de guitarras. Además de las piezas clásicas, se exploró el repertorio original para el cuarteto, con composiciones de sus propios . Se escuchó "Hilo de cobre" de Renaud Cote Chiguer, una obra inspirada en la escultura "Shepherd's Dream Number Four" de Jean-Louis Emon, que explora las dualidades emocionales de un personaje. También se presentó "Mapa Mundi" de Christine Donkin, una pieza fascinante que toma como inspiración un mapamundi del siglo XIV expuesto en la catedral de Hereford. Esta obra se divide en cuatro movimientos que evocan ideas extraídas del mapa, como los trogloditas, la Torre de Babel, los Hiperbóreos y los Hipópodos. El Cuarteto Canadiense de Guitarras, fundado en 1999, ha logrado un éxito considerable gracias a su enfoque en la combinación de obras clásicas y composiciones originales, enriqueciendo y diversificando el repertorio para la guitarra.

En esta emisión Sergio Páramo presentó su disco ROM, una producción de jazz con guitarra que explora diversos estilos y hace guiños a diferentes culturas. Páramo, quien inició su amor por la guitarra a los 14-15 años tras ver la película "Crossroads", comentó sobre su trayectoria musical. Explicó que, si bien tuvo una formación formal en la Universidad Javeriana y con un maestro particular, decidió tomar un camino autodidacta. Esta elección, motivada por su dificultad para trabajar con profesores, le brindó gran libertad creativa y la posibilidad de experimentar, aunque significó la pérdida de os en el ámbito musical. El álbum, que es casi un diario de viaje, refleja sus experiencias y la nostalgia de estar lejos de casa, con temas como "Opus" y "Los marranitos del espacio", este último un guiño a sus recuerdos familiares en Colombia. Páramo también abordó su incursión en la musicología en Francia, que le sirvió como herramienta para profundizar en la investigación de géneros y descubrir nuevas sonoridades de diversas culturas, como la africana y la de Medio Oriente. Su proceso de composición es en su mayoría espontáneo, partiendo de ideas musicales que luego relaciona con sus vivencias. La colaboración con su cuarteto se caracteriza por la libertad de los músicos para improvisar y aportar, mientras que las melodías y estructuras principales son más definidas

El dúo bogotano Deciso Dúo, conformado por la flautista Ana María Oramas y el guitarrista Juan Camilo Palacino. Durante la entrevista, ambos músicos compartieron detalles sobre sus trayectorias individuales y la formación del dúo, destacando su interés por la música latinoamericana. Juan Camilo inició su camino en la guitarra de manera autodidacta a los 11 años, decidiendo profesionalizarse a los 16 e ingresando a la Universidad Nacional. Ana María, por su parte, comenzó en la música a los 11 años por influencia de su padre, formándose en Batuta, la Sinfónica Juvenil y realizando estudios en Cuba antes de ingresar también a la Universidad Nacional, donde conoció a Juan Camilo. El dúo, que ya cuenta con seis años de trayectoria, se ha enfocado en la exploración del repertorio latinoamericano, aunque inicialmente abordaron obras europeas como requisito académico. Interpretaron piezas destacadas como "Café 1930" de Astor Piazzolla, un recorrido por la historia del tango, y movimientos de "Mitología de las Aguas" de Leo Brouwer, una obra técnicamente exigente que han estrenado en Colombia. Ana María también compartió su experiencia de inmersión cultural en Cuba y cómo el jazz, un género que ahora explora en proyectos paralelos, le ha brindado libertad creativa y expresiva, complementando su formación académica. El dúo anunció su próxima participación en la serie Jóvenes Intérpretes de la Biblioteca Luis Ángel Arango, presentando un repertorio novedoso que incluye obras nunca antes interpretadas en Colombia, y resaltaron la gratificante experiencia de llevar su música a ciudades más pequeñas del país, donde el público es muy receptivo y agradecido.

En esta emisión estuvimos con el compositor y guitarrista bogotano Alejandro Zuluaga anunció el Primer Festival de Guitarra de Bogotá, un evento benéfico en Matic Matic que tiene como objetivo principal recaudar fondos para apoyar a guitarristas venezolanos que enfrentan dificultades para adquirir insumos básicos como cuerdas, debido a la grave situación económica de su país dado a la escasez de recursos que padecen los músicos en Venezuela y visibilizar el talento bogotano, brindando un apoyo crucial a la comunidad musical. El festival contó tanto con guitarristas clásicos como eléctricos, muchos de ellos también compositores de las piezas que interpretarán. Entre los artistas destacados se encuentran Camilo Giraldo, César Quevedo, Guillermo Bocanegra, Daniel Saboya y el trío Rumiantes. Alejandro Zuluaga también se presentó en el festival, compartiendo su música para guitarra eléctrica.

En esta emisión se explora el valor espiritual de la música a través de la obra de Johann Sebastian Bach, interpretada por Paul Odet en laúd barroco. El presentador reflexiona sobre cómo en el mundo contemporáneo, marcado por la racionalidad y el materialismo, existe una crisis de sentido que deja poco espacio para la vida espiritual y el silencio. Citando al monje benedictino Anselm Grün, se establece que la música ha funcionado históricamente como una puerta hacia lo invisible y lo espiritual, trascendiendo lo terrenal y conectando a las personas con experiencias que van más allá de la comprensión racional. Además, se presenta diversos movimientos de suites y sonatas de Bach, argumentando que la música actúa como una fisura en el mundo cotidiano que nos conecta con un universo afectivo profundo. El ejemplifica perfectamente esta conexión entre música y espiritualidad, ya que se concebía a sí mismo como un instrumento para servir a la gloria de Dios a través de los sonidos. En 1738, enseñó a sus estudiantes que el único propósito de la música debería ser glorificar a Dios y recrear el espíritu humano, entendiendo "recreatio" como restablecimiento del sufrimiento y la angustia. Se destaca cómo diferentes personas desarrollan rituales personales alrededor de la música, citando el ejemplo del violonchelista Pablo Casals, quien durante ochenta años comenzó cada mañana tocando preludios y fugas de Bach como una forma de redescubrir constantemente la maravilla de la vida. Esta práctica diaria le permitía experimentar asombro ante la existencia y encontrar en la música de Bach un milagro comparable a la naturaleza misma.

En esta emisión es dedicada al guitarrista británico David Graham, nacido en 1940 en Market Bosworth, Inglaterra, hijo de madre guyanesa y padre escocés. El desarrolló sus habilidades musicales de manera autodidacta, comenzando con armónica y piano en su infancia antes de dedicarse a la guitarra a los 12 años, sin recibir educación musical formal. Su capacidad bilingüe, heredada de sus padres quienes le enseñaron gaélico y francés, influyó profundamente en su perspectiva sobre la música y los idiomas como herramientas para transformar las estructuras mentales. Su obra más conocida, "Angie", compuesta en 1962 como homenaje a una novia, alcanzó reconocimiento mundial y fue versionada por artistas como Simon and Garfunkel, aunque el propio Graham prefería ser recordado por otras composiciones que consideraba más representativas de su trabajo. La trayectoria de Graham estuvo marcada por influencias diversas que abarcaron desde el folclore inglés hasta el blues y jazz norteamericano, así como la música de Medio Oriente e India, países que visitó en una búsqueda tanto espiritual como musical. Su matrimonio con la cantante estadounidense Holly Green terminó cuando problemas de visa relacionados con una condena por uso de marihuana le impidieron seguirla a Estados Unidos. Posteriormente, tras enfrentar adicciones y períodos de autoindulgencia, Graham reorientó su vida hacia el trabajo caritativo en salud mental, participando en el Consejo Ejecutivo de Mind y explorando las enseñanzas de Osho. Su filosofía musical enfatizaba la importancia de la música como camino místico y terapéutico, y su influencia se extendió a músicos como Jimmy Page de Led Zeppelin, quien adaptó algunas de sus interpretaciones de temas tradicionales.

En esta emisión se rinde homenaje al guitarrista y compositor italiano Mateo Di Leonardo. Se destaca la obra del artista a través de la interpretación del tema Smoke on Your Eyes, parte de su disco Sketches. Di Leonardo comparte que su música nace de la observación y las experiencias cotidianas, y representa una transformación personal. Explica que estos temas son una forma de conectar su conocimiento musical con nuevas emociones, dedicando sus composiciones a quienes buscan cambiar de rumbo, especialmente a su familia, que lo inspiró a ver el mundo con curiosidad infantil. Mateo Di Leonardo nació en Teramo, en la región de Abruzzo, Italia. Su pasión por la música fue influenciada desde pequeño por su padre, quien escuchaba bandas como Pink Floyd, Genesis y Eagles. A los 13 años tomó la guitarra por primera vez, inspirado por grandes guitarristas como David Gilmour y Jimmy Page. Más adelante, se formó en jazz en el conservatorio de Bruselas, ciudad donde reside desde 2015 y donde ha desarrollado su carrera artística. Ha participado en reconocidos festivales europeos como el Umbría Jazz Festival y ha recibido premios por sus composiciones como Subject y Smash and Fix, mostrando su estilo íntimo y expresivo.

En esta emisión el minimalismo en la música busca la simplicidad, construyendo piezas a partir de elementos repetitivos como pocas armonías, melodías breves o ritmos cortos. Esta estética, que recuerda a la música tradicional de diversas culturas, propone una escucha abierta para apreciar los patrones sonoros que emergen de la aparente monotonía. Compositores como Steve Reich, influenciado por la música africana en obras como "Electric Counterpoint", ejemplifican cómo esta corriente académica ha logrado tender puentes con la música popular. Además, este ha borrado las fronteras entre la música académica y la popular, especialmente con la música electrónica, gracias a su frescura y economía de materiales. Aunque la música electrónica popular incorpora elementos digitales y efectos como el "delay", la esencia repetitiva subyace. Músicos como Rob Scallion y Nils Frahm exploran estas ideas, demostrando la versatilidad y el impacto emocional del minimalismo, que busca generar estados alterados de conciencia y euforia a través de sus patrones hipnóticos.

En esta emisión recibimos a los maestros Hildo Aguirre, director del V Encuentro Internacional Maestros del Arpa, y a Omar Fandiño y Diana Isabel, integrantes del Ensamble Palo Cruzado. El Encuentro, que se llevó a cabo en Bogotá del 5 al 9 de septiembre, es un evento que ha crecido significativamente desde su inicio en 2014, pasando de dos a seis conciertos en su quinta edición, y ha logrado integrar el arpa de diversas partes del mundo, como Asia, Europa, Centroamérica, Paraguay y, por supuesto, el arpa llanera. Este año, el Encuentro incluyó conciertos en el Teatro Colón y el Teatro Colsubsidio, con invitados internacionales como la arpista galesa Han Denholde, Mariano González de Paraguay y el maestro Alfredo Rolando Ortiz. Además de los conciertos, el Encuentro Internacional Maestros del Arpa ofreció actividades académicas como talleres y conversatorios en la Universidad Nacional. El Ensamble Palo Cruzado, ganador del Grammy Latino en 2016, compartió su experiencia en la difusión de la música llanera y la integración de diversos instrumentos colombianos en su álbum galardonado. Diana Isabel, vocalista del ensamble, habló sobre el desafío de la incursión femenina en el canto de joropo en un género históricamente masculino, destacando la importancia de la pasión y el respeto por las tradiciones musicales. Finalmente, se hizo hincapié en el papel de la Academia Llano y Joropo como plataforma para la formación y visibilización de jóvenes talentos.

En esta emisión esta con nosotros el joven guitarrista colombiano Marlon Centanaro compartió su experiencia artística donde reveló los aspectos fundamentales de su desarrollo musical. Su encuentro con la guitarra surgió durante la adolescencia, inspirado por amigos talentosos que dominaban el instrumento de manera empírica. Aunque inicialmente comenzó con una guitarra en condiciones precarias, su pasión lo llevó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Sincelejo, donde se formó bajo la guía de maestros como Ricardo Bustamante y Marino Albis. Posteriormente, ingresó a la Universidad de Antioquia, donde completó un preparatorio antes de cursar el pregrado en guitarra clásica. Durante este proceso, trabajó con el profesor Fabio Arboleda y con Bernardo Cardona en el pregrado, quien se convirtió en una figura paternal que le transmitió no solo técnica guitarrística, sino también valores sobre la integralidad del músico y la importancia de desarrollar una perspectiva crítica hacia la música. Centanaro concibe la música como una necesidad vital que permea todos los aspectos de su existencia, describiendo la imposibilidad de separarse de la creación y la interpretación musical. Su enfoque compositivo se caracteriza por fusionar elementos de la música académica clásica con tradiciones latinoamericanas, particularmente la música andina colombiana, creando una amalgama que incorpora técnicas como fugas, cánones y armonías del siglo XX aplicadas a géneros como bambucos y pasillos. El guitarrista desarrolla actualmente dos proyectos principales: un trabajo solista centrado en repertorio contemporáneo de compositores vivos, y "Crisálida", un trío andino colombiano que explora sonoridades originales manteniendo un equilibrio entre la tradición y la innovación. Su propuesta artística busca trascender las divisiones convencionales entre géneros musicales, promoviendo una visión integral donde la música clásica, tradicional y contemporánea coexisten y se enriquecen mutuamente, mientras enfatiza la importancia de desarrollar un discurso personal y distintivo en el panorama musical actual.

En esta emisión conversamos con Juan Miguel Sosa, integrante del Ensamble Sin Sonte, sobre su más reciente producción discográfica, "De Vuelta al Mundo". Juan Miguel detalla la trayectoria del ensamble, fundado hace 17 años por un grupo de amigos que, inicialmente explorando la música llanera, han evolucionado para incorporar diversas estéticas y sonidos. El disco cuenta con colaboraciones de destacados músicos como El Cholo Valderrama, Hugo Candelario y Antonio Arnedo, mostrando la riqueza de sus exploraciones musicales y la evolución del grupo. Se analiza el tema "Melodía Ausente" como ejemplo del sonido distintivo del ensamble, caracterizado por la composición original, la improvisación, los cambios métricos y la instrumentación particular. También se abordan los desafíos económicos de los proyectos musicales independientes, señalando que los discos físicos siguen siendo importantes en Colombia, a pesar de la predominancia de las plataformas digitales. Reflexiona sobre la relación entre la música académica y la popular, defendiendo la idea de que un músico debe nutrirse de todas las fuentes sin prejuicios. Finalmente, se presentan dos temas del nuevo álbum: "El Gabán Quita Resuello número tres", un joropo llanero con la participación de El Cholo Valderrama, y "Espíritu Colombiano", un arreglo propio de una obra de Lucho Bermúdez.

En esta emisión Juan Miguel Sosa, integrante del Ensamble Sin Sonte, comparte la más reciente producción del grupo: De Vuelta al Mundo. El Ensamble, formado hace más de 17 años por un grupo de amigos músicos, comenzó explorando la música llanera y ha ido ampliando su sonido incorporando nuevas estéticas e instrumentos, como el saxofón soprano. En esta tercera producción, destacan colaboraciones con reconocidos artistas como el Cholo Valderrama, Hugo Candelario y Antonio Arnedo. El disco, según Sosa, es como una fotografía del momento actual del grupo, reflejando una evolución artística que no busca repetir fórmulas pasadas, sino capturar lo que hoy representa su sonido. El proceso creativo del Ensamble se basa en la colaboración: los integrantes aportan ideas que se desarrollan colectivamente, ya sea a partir de partituras completas o fragmentos que evolucionan durante los ensayos. Aunque enfrentan retos logísticos por no vivir en la misma ciudad, han logrado mantenerse activos, destacándose en festivales nacionales y consolidando su nombre en el panorama musical colombiano. A pesar de que la circulación de música independiente sigue siendo compleja, el grupo ha entendido que el verdadero retorno está en las presentaciones en vivo, y que el disco físico sigue siendo valorado. Sosa, con formación académica en guitarra clásica, afirma que el músico debe nutrirse tanto del ámbito académico como del popular, rompiendo barreras mentales entre géneros y enfoques.

En esta emisión los Carrangomelos, un grupo bogotano formado por Iván Pérez, Nicolás Sadovnik, Helbert Meléndez y Jorge Cucaita, nació del interés compartido por la música carranguera, a pesar de provenir de una formación musical académica en la Javeriana. Su encuentro inicial se dio en un diplomado de cuerdas pulsadas colombianas, donde se conocieron y empezaron a explorar este género. Aunque el diplomado no profundizó en la carranga, la pasión de Nicolás, quien ya estudiaba requinto y tiple, los impulsó a formar el grupo, sumando primero a Jorge en la guitarra (luego en el bajo) y más tarde a Helbert en la guacharaca, consolidando así su formación. El grupo se describe a sí mismo como "carrangomelos", una fusión entre lo tradicional y lo urbano, ya que, siendo músicos citadinos, abordan la carranga desde su propia experiencia. Sus composiciones, como "El Pasaporte" y "El Sobornito", reflejan temas contemporáneos y sátiras sociales, manteniendo la esencia rítmica del género, pero con arreglos y armonías que incorporan sus conocimientos académicos. Respetan la tradición, pero buscan innovar, utilizando los ritmos tradicionales como base y añadiendo un toque personal que les permite conectar con un público amplio, desde conocedores hasta oyentes casuales.

Durante esta emisión escuchamos a Paul Odet interpretando en el laúd barroco obras de Juan Sebastián Bach, un compositor cuya música se relaciona estrechamente con lo espiritual. Para Bach, la música no era solo arte, sino un medio para glorificar a Dios y elevar el espíritu humano. En una enseñanza de 1738, afirmaba que la música debía tener como únicos fines la gloria divina y el bienestar del alma. Esta visión también es compartida por el monje Anselm Grün, quien resalta el poder curativo de la música de Bach, capaz de aliviar el sufrimiento humano y restaurar el ánimo. Más allá de lo religioso, la música crea pequeños rituales personales que conectan a cada oyente con lo trascendente. Ya sea escuchando música en soledad, en un viaje o en una tarea cotidiana, muchas personas encuentran en los sonidos una forma de oración o contemplación. El célebre violonchelista Pablo Casals tenía su propio ritual diario: tocar preludios y fugas de Bach cada mañana como una forma de reconectarse con el milagro de la vida. Para él, esta rutina no era una repetición vacía, sino un redescubrimiento constante de lo maravilloso, comparable incluso con la naturaleza misma.

En esta emisión dedicada a la guitarra y a los instrumentos de cuerdas pulsadas inicia con una selección de bandas sonoras adaptadas a estos formatos con un tema de El francotirador, película dirigida por Michael Cimino en 1978, seguido por dos composiciones del renombrado Ennio Morricone, quien destacó especialmente por su colaboración con Sergio Leone en los célebres westerns de los años 60. Morricone, autor de más de 400 partituras para cine y televisión, inició su formación musical en el Conservatorio de Santa Cecilia a los 12 años y trabajó con directores como De Palma, Polanski y Tornatore. También se incluye una pieza de la banda sonora de Mishima, igualmente compuesta por Glass, a cargo del cuarteto de guitarras de Dublín y el cierre fue de Nathan Mills, guitarrista estadounidense conocido por su canal de YouTube, quien ofrece versiones para guitarra de temas de series como Game of Thrones, El Señor de los Anillos y Stranger Things. Mills, influenciado por su infancia en países del norte de África, mezcla distintas sensibilidades culturales en sus interpretaciones.

En esta emisión el guitarrista y compositor colombiano Arturo Parra comparte su proyecto musical "Paroles Égales", creado junto a la escritora franco-canadiense Catherine Ego, que rinde homenaje al poeta español Miguel Hernández en el 75º aniversario de su muerte. El dúo presenta una propuesta artística que combina música de guitarra original compuesta por Parra con la recitación bilingüe (español-francés) de poemas de Hernández, destacando la profundidad y sencillez de su obra poética. Durante la entrevista, escuchan grabaciones de poemas como "El amor ascendente", "Beso soy", "Desde que el alba" y "Elegía", mientras Parra explica la metodología de trabajo del dúo y reflexiona sobre la importancia de Miguel Hernández como símbolo de resistencia y esperanza. A destaca que, a pesar de las duras condiciones que vivió Miguel Hernández durante la Guerra Civil Española y su posterior encarcelamiento donde murió de tuberculosis, su poesía mantiene una extraordinaria esperanza y dulzura. Para Parra, Hernández representa un ejemplo de cómo el arte puede ser una luz en tiempos oscuros, y señala la importancia de presentar su obra no solo desde la perspectiva del sufrimiento sino también desde la esperanza y la belleza. El proyecto "Paroles Égales" busca además dar una dimensión internacional a la poesía de Hernández mediante las traducciones al francés y la música original, creando una experiencia artística completa que pronto se materializará en un libro-disco con ilustraciones que permitirá a los oyentes apreciar la poesía recitada, no cantada, de una manera más íntima y conmovedora.

En esta emisión tuvimos a Carlos Paredes, destacado guitarrista y compositor portugués, es homenajeado en un programa dedicado a su obra, especialmente al tema "Canto de Rúa" y a su célebre pieza "Verdes años". Esta última, utilizada en el filme homónimo de Paulo Rocha (1963), se convirtió en un emblema musical del Portugal de los años sesenta, un país entonces marcado por tensiones sociales y políticas. Según María João Seixas, la música de Paredes en la película no solo acompañaba las escenas, sino que cobraba tal protagonismo que expresaba mejor que los personajes el dolor y la esperanza de una nación. Su guitarra no era mero acompañamiento: era voz, memoria y protesta, una forma de proyectar un futuro deseado desde el lamento. Además de su importancia artística, Carlos Paredes rescató y elevó la guitarra portuguesa, instrumento de doce cuerdas metálicas que evolucionó en el siglo XVIII y se consolidó como acompañamiento del fado. Su virtuosismo le permitió trascender ese género tradicional, llevándolo hacia nuevas formas expresivas, como puede apreciarse en piezas como O Fantoche, Improviso nº2 y nº3 y O Discurso. La obra de Paredes encarna la capacidad de la música para ser documento sensible de una época y, a la vez, vehículo de transformación emocional y social.

El guitarrista y compositor peruano Javier Echecopar, ya conocido por su interpretación de música barroca andina, vuelve con el álbum Cuatro siglos de guitarra en el Perú, una travesía sonora por las tradiciones musicales mestizas del país. Entre las obras destacadas del disco se encuentra Hanak, Pachap, una pieza quechua del siglo XVII escrita posiblemente por el sacerdote Juan Pérez Bocanegra, que simboliza el encuentro de culturas indígenas y europeas. Echecopar presenta esta obra en tres variaciones: mestiza, andina y afroandaluza, como reflejo de los distintos niveles de fusión cultural. El académico Olivier de León destaca que Echecopar está trazando un inédito mapa musical del Perú, en un intento por construir, desde la música, una visión integradora del continente latinoamericano. El álbum incluye también interpretaciones de piezas como Marisa Palos del Códice del Cuzco, composiciones originales del propio Echecopar como Giga y Variaciones, y minuetos del compositor Pedro Jiménez Abril. Entre otras obras, Eguriana número uno se basa en los paisajes poéticos de José María Eguren, evocando imágenes líricas como las de La canción del regreso. Además, se citan pasajes del escritor José María Arguedas que describen instrumentos como el pinquillu y el huacrapucu, cuya música tiene un profundo impacto emocional y espiritual en las comunidades andinas. Así, el disco no solo es una propuesta musical, sino un testimonio cultural que recoge y transforma siglos de memoria sonora del Perú.